Museo Reina Sofia

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imagen de Ibon Aranberri. Gramática de meseta

Ibon Aranberri. Gramática de meseta

Fechas: 14 de julio – 14 de noviembre de 2010
Lugar: Abadía de Santo Domingo de Silos

Ibon Aranberri (Itziar-Deba, Guipúzcoa, 1969) utiliza en sus trabajos referencias de carácter histórico o artístico con los que trata de llamar la atención del espectador para inducirle a la reflexión. En palabras del artista: “me interesa tanto probar las posibilidades de la forma y del objeto, la materialidad arcaica, como la información, la textualidad de la materia. Me interesa la descomposición siniestra de la idea de la escultura, que parece casi como un cadáver”. La muestra de Aranberri en la Abadía de Silos se inspira en la memoria colectiva del ser humano y analiza la manera en que el patrimonio cultural es transformado por la historia y la cultura industrial. De manera muy cercana a la relación de la memoria reprimida en el pasado reciente, Ibón Aranberri discute el monumento, la ruina y la espacialidad del propio recuerdo histórico en su vuelta a una cadencia histórica que presenta la ideología de la forma junto a la experiencia de la historia. + info

imagen de Jessica Stockholder. Peer Out to See

Jessica Stockholder. Peer Out to See (Atisbar para ver)

Fechas: 14 de julio – febrero de 2011
Lugar: Palacio de Cristal, Parque del Buen Retiro

Los juegos de palabras, visuales y verbales, y las rimas abundan en el arte vibrante de Jessica Stockholder. Los objetos que alguna vez parecieron corrientes y familiares cobran nueva vida, espejándose, resonando y dialogando entre sí al asumir nuevos roles insólitos y ganar una presencia imponente, enérgicos, descarados, tímidos, burlones, seductores, volubles y mucho más, pero nunca rutinariamente vulgares. El mundo de Stockholder está construido más por asociación que por formas convencionales de análisis. Sus obras proponen que, si se quiere examinar algo, se necesita indagar, probar y escudriñar en un intento de leer lo que está más allá de la mera visión y contemplación: así, atisbando, podríamos ver más de lo que habíamos planeado: pudiera ser que acabáramos “caminando por la tabla”, suspendidos en una plataforma sobre los abismos, arrojados a lo desconocido, en un muelle más allá del mar. + info

imagen de Miralda. De gustibus non disputandum

Miralda. De gustibus non disputandum

Fechas: 24 de junio – 17 de octubre de 2010
Lugar: Palacio de Velázquez, Parque del Buen Retiro

La exposición propone una lectura retrospectiva del trabajo de Miralda en un contexto histórico y artístico global, desde su primera época en París, donde se instala en la década de 1960 y realiza sus primeras intervenciones públicas, hasta la década de 1990, con las grandes intervenciones intercontinentales del proyecto Honeymoon, y los años recientes, con la presentación del Food Cultura Museum en la Exposición Internacional de Hanóver. + info

imagen de Nuevos Realismos: 1957-1962

Nuevos Realismos: 1957-1962. Estrategias del objeto, entre readymade y espectáculo

Fechas: 16 de junio – 4 de octubre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 1, Espacio Uno y Corredores

La exposición Nuevos Realismos: 1957-1962 se define más por un marco temporal que por formatos o medios concretos, de forma que cartografía un campo internacional del arte en un periodo finito de importantes cambios. La muestra, centrada en las acciones y la temporalidad, en los lugares y en su activación, se aleja del objeto artístico para revelar, en el umbral de la década de 1960, un campo más amplio que redefiniría la práctica artística mediante la transformación de sus estrategias y contextos. + info

imagen de Manhattan, uso mixto

Manhattan, uso mixto. Fotografía y otras prácticas artísticas desde 1970 al presente

Fechas: 10 de junio – 27 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 4

Manhattan, uso mixto es una exposición sobre los usos e imágenes tomadas en la ciudad de Nueva York al comienzo del intenso periodo de desindustrialización y abandono de la década de 1970, con el contrapunto de trabajos más recientes de artistas que, plenamente al tanto de las prácticas de sus predecesores en aquel momento, siguen encontrando un potencial estético en la ciudad. La muestra incluye importantes series fotográficas: las fotografías nocturnas de Peter Hujar, tomadas en 1976 en el West Side de Manhattan, que van desde el Meat Packing District al distrito financiero; las fotografías de los muelles del río Hudson hechas por Alvin Baltrop, en la década que va de 1975 a 1986, muchas de las cuales se muestran aquí por vez primera; el trabajo de David Wojnarowicz Rimbaud in New York, de 1978-1979; y, más recientemente, varios proyectos fotográficos de Zoe Leonard de finales de la década de 1990 en adelante, que incluyen las series Tree + Fence y Bubblegum. Estos trabajos centrales vienen acompañados de otras series fotográficas, videoinstalaciones y películas de Matthew Buckingham, Moyra Davey y Emily Roysdon entre otros, que amplifican su magnitud y dan prueba de la pervivencia de su legado, recibido por artistas que siguen comprometiéndose con la ciudad, mostrando cómo los espacios urbanos pueden llegar a ser realmente espacios públicos. + info

imagen de El retorno de lo imaginario. Realismos entre XIX y XXI

El retorno de lo imaginario. Realismos entre XIX y XXI

Fechas: 20 de mayo – 31 de noviembre de 2010
Lugar: Edificio Sabatini, Planta 3

A pesar de las enormes diferencias técnicas y estilísticas, el arte del siglo XXI puede considerarse insospechadamente próximo al del final del XIX. En la era de la simulación, de la realidad aumentada, de la omnipresencia fotográfica, de la hiperreal transparencia de la cultura del capitalismo avanzado, lo que se vislumbra como arte en el inicio del XXI no indica tanto un retorno de “lo real” (que hubiera estado reprimido por el antinaturalismo vanguardista y sus desarrollos abstractos, conceptuales, de adecuación y desvelamiento, por la intensa puesta en crisis de todos los sistemas y convenciones de la representación, o por el esteticismo, etc.), sino de la persistencia de lo imaginario, en nuevas formas de realismo que retroactivamente permitirían reinterpretar el arte del siglo XX como el despliegue instituyente de nuevos modos de confianza en la representación. + info

imagen de Principio Potosí

Principio Potosí. ¿Cómo podemos cantar el canto del Señor en tierra ajena?

Fechas: 12 de mayo – 6 de septiembre de 2010
Lugar: Edificio Nouvel, Planta 0
El proyecto Principio Potosí centra su atención en el análisis del concepto de la modernidad y su expansión universal, que tuvo lugar desde la colonización de América Latina. En la muestra se exponen ejemplos de pintura colonial andina y obras de artistas internacionales a los que se invita a encontrar y elaborar correspondencias entre el arte colonial de los siglos XVI al XVIII y el mundo contemporáneo. Partiendo de ejemplos de la pintura virreinal de la escuela de Potosí, la investigación busca relacionar estos fragmentos de historia clausurada con las condiciones de producción artística en la actualidad. El Principio Potosí es un planteamiento estético de sentido ambiguo. “Principio” puede tener, por un lado, un significado temporal, un comienzo -la larga memoria de Potosí-; por otro lado, tiene también un significado técnico, como un principio mecánico, una regla, que se viene repitiendo en distintas coordenadas del espacio-tiempo global. Estos dos posibles enfoques son la base del proyecto, el cual, además de la exposición, incluye seminarios, conferencias y publicaciones. + info

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